13 de abril de 2014

As 10 maiores pinturas do mundo

As 10 maiores pinturas do mundo, segundo
o critico de arte do Dailymail Brian Sewell
1 . Masaccio (1401-1428)
Seus afrescos são monumentos ao Humanismo e introduzem uma plasticidade nunca antes vista na pintura. Foi o primeiro grande pintor italiano depois de Giotto e o primeiro mestre da Renascença italiana. Masaccio entendeu o que Giotto iniciara no fim da Idade Média e tornou essa compreensão acessível a todos. Morreu aos 27 anos, mas sua obra é madura.
Foi chamado Masaccio (Tommaso Grandão). Apesar de sua breve carreira, ele afetou profundamente a obra de outros artistas. Foi um dos primeiros a usar a perspectiva científica na pintura.
Masaccio - O Batismo dos Neófitos
O Batismo de Neófitos: A figura de São Pedro é monumental, como arredondado como uma escultura, a verdadeira luz da janela capela parecendo cair sobre suas costas. Três convertidos ao cristianismo devem ser batizados: um se ajoelha em águas rasas do rio Jordão, o segundo arrepios na margem, o terceiro está puxando suas roupas. Na Renascença esta é a mais antiga evidência de tal realismo na pintura do nu de um modelo vivo.
2. Leonardo da VInci (1452-1519)
O próximo grande inovador. Como escultor, arquiteto, engenheiro, matemático e cientista este "gênio universal" legou apenas cadernos e desenhos que eram mais ou menos desconhecido até o século 19, mas de pinturas Leonardo deixou uma dúzia que eram famosos no seu dia, ainda venerada como entre a maior já realizada. A Última Ceia continua a ser uma obra-prima sem precedentes de organização dramática.
Leonardo da Vinci - A Última Ceia
A Última Ceia: A representação tradicional da Última Ceia foi uma classificação de 11 apóstolos e Cristo de um lado de uma longa mesa, e Judas Iscariotes, de outro. Leonardo os trouxe todos juntos, ilustrando o momento em que Cristo anunciou que um iria traí-lo, e, em seguida, descreveu suas respostas assustados de espanto, consternação e recuo.
3. Raphael Sanzio (1483-1520)
15 anos depois de A Última Ceia de Leonardo, Raphael deu um grande salto para além dela, muito ampliando a arquitetura do espaço pictórico, parecendo preencher toda divulgação e aprofundamento medida com figuras, desenvolvendo e multiplicando-se a classificação na etapa superior - ainda afrouxá-los também - que são o equivalente a posição de Leonardo dos Apóstolos. Uma composição muito mais complexo do que encontramos ecos na arte acadêmica até quase o final do século 19.
Rafael Sanzio - Escola de Atenas
Raphael - Escola de Atenas: Raphael construiu uma maravilha irreal da arquitetura clássica para a sua montagem de filósofos, matemáticos e sábios do mundo antigo. Que Platão e Aristóteles são gigantes entre eles é claro, e não pelo tamanho, mas, colocando-os centralmente na composição, emoldurado por arco, o espaço antes deles aberto, atraindo os olhos em direção a eles.
4. Michelangelo (1475-1564)
Michelangelo, que era o rival um pouco mais velho e desdenhoso de Rafael, foi menos influenciado por Leonardo, e talvez mais influenciado por Masaccio - é possível sentir uma lembrança da Capela Brancacci mesmo , nas últimas pinturas de sua vida longa, os afrescos gêmeos da crucificação de São Pedro e A Conversão de São Paulo. Mas Michelangelo é muito mais conhecido por suas ilustrações bíblicas no teto da Capela Sistina - pinturas que dotados pintores europeus com mil ideias e imagens para mendigar, pedir emprestado e roubar . O teto conta os contos de Gênesis, enfeitados com profetas e sibilas , santos e pecadores , jovens nus heroicos e Adão imortal no momento da sua criação. O Juízo Final é uma lembrança dramática do céu e do inferno, o ressuscitado convocado por anjos, os salvos , os condenados e a descida ao inferno . Onde é que Rubens, no século 17 foi se inspirar?
Michelangelo - A Criação de Adão
Michelangelo - A Criação de Adão: aplicou seu conhecimento do nu para a construção de uma figura ideal imaginado perfeito na proporção e na musculatura hercúlea, realista, mas não contido pelo realismo; Deus, apoiado pelos anjos dentro de sua capa que flui, chega em sua direção, e suas mãos estendidas e os dedos apontando são drasticamente silhueta como uma ponte através de um céu sem nuvens.
5. Tiziano Vecellio (Titian) (1480-1576)
Uma obra que mistura beleza e sensualidade, encomendada pelo Duque de Urbino para servir de modelo a sua futura esposa. Considerado um dos mais versáteis pintores da Itália, o renascentista Ticiano concebeu no ano de 1538 a obra Vênus de Urbino, encomendada pelo Duque de Urbino para celebrar o seu casamento.
O Duque estava para se casar com Giulia Varano, uma moça extremamente jovem, e aparentemente encomendou a tela para que ela tivesse um modelo a seguir e agradar o seu marido após o matrimônio.
Ao fundo, você pode notar a presença de duas senhoras, sendo que uma delas está mexendo num baú. Trata-se das empregadas da Vênus, que provavelmente estão a procura de suas roupas.
Tiziano Vecellio (Titian) - Venus Of Urbino:
Em cima da cama não está apenas a moça, mas também um cão, que costumava ser retratado para representar a fidelidade. O colchão, abaixo dos lençóis brancos, é vermelho, podendo representar a volúpia.
A cortesã Angeladel Moro foi a modelo usada por Ticiano na criação da Vênus, e ela olha diretamente na direção do espectador, como se não sentisse nenhum pudor com a sua nudez.
Atualmente, a obra pode ser vista na Galleria degli Uffizi, em Florença.
6. Caravaggio (1571-1610)
Caravaggio não devia nada a qualquer mestre anterior, mas foi imediatamente individual, peculiar em sua escolha de jovens andróginos em indivíduos ambígua, erótica e ilusionista.
Caravaggio - A Vocação de São Mateus
Um cenário de uma conversa ou um debate, representando o naturalismo, onde se têm homens e uma mulher na cena, quatro homens e uma mulher sentada e mais dois homens em pé. Há uma parte superior, ocupada só por uma janela, e o inferior, no que se representa o momento preciso no que Cristo apontando a são Mateus. O santo está sentado frente a uma mesa com um grupo de pessoas, vestidas como os contemporâneos de Caravaggio, como numa cena de taberna. Cristo traz a luz verdadeira a este espaço escuro dos angariadores de impostos. Para acentuar a tensão dramática da imagem e focalizar sobre o grupo dos protagonistas a atenção de quem olha, recorre ao expediente de submergir a cena numa penumbra cortada por raios de luz branca, que faz emergir os gestos, as mãos, ou parte da roupa, e deixa quase invisível o resto. Apenas são Mateus enxerga o Cristo e reconhece o seu chamado. Alguns olhares estão tão atentos em contar o dinheiro que nem o percebem.
Elementos visuais: Na figura são usadas cores escuras, enfatizando mais o vermelho, há formas bem definidas do rosto, corpo, roupas e os movimentos. Há uma composição diagonal no feixe de luz no meio da cena apontando ao santo.
É uma imagem que nos transmite emoção, drama e certo suspense por causa do ambiente escuro e pela tensão demonstrada no rosto das pessoas. E pelos movimentos dos personagens.
7. Rembrandt (1606-1669)
Ronda Noturna é talvez um dos mais importantes e polêmicos quadros pintados por Rembrandt.
Quadro pintado por encomenda, seu nome original era “A Mudança da Guarda da Companhia do Capitão Frans Banning Cocq”, que servia no Regimento dos Arcabuzeiros de Amsterdam. O capitão está todo de negro, enquanto o tenente Willem van Ruytenburch está de amarelo. Com o uso perfeito da luz e da sombra, Rembrandt leva nosso olhar para as mais importantes figuras no meio da multidão, os dois oficiais e uma menina, a mascote, à esquerda. Atrás deles, o alferes Jan Visscher Carnelissen, carrega as cores da Companhia.
Rembrandt - A Ronda da Noite
O quadro ficou pronto em 1642, no auge da Era de Ouro dos Países Baixos. E foi o primeiro fracasso do pintor. O capitão não gostou porque encomendara um retrato seu e não da companhia, e também porque percebeu que Rembrandt não pintara a mudança da guarda, mas um retrato de cada um deles. O preço também não agradou. Achou caro.
O quadro tem um efeito dramático, muito característico da obra de Rembrandt. O clima é de vitória, o amarelo enfatiza isso, e a galinha morta no chão, quase em frente à menina, é também símbolo da vitória contra o inimigo.
É uma tela enorme que perpassa para o espectador uma espantosa ideia de movimento. A mão do capitão, que passa o comando ao subordinado, salta para fora da tela. É realmente impressionante.
Mas como em todos os retratos que pintou, Rembrandt põe na tela não o exterior de seus retratados, mas seu interior. O que talvez tenha sido o grande motivo da ira do capitão.
8. Rubens (1577-1640)
Entre 1611 e 1614, o artista alemão Peter Paul Rubens pintou sua primeira grande obra, a célebre "Descida da cruz", que já mostrava o equilíbrio da composição e o intenso dramatismo das figuras, característicos de sua produção. A pintura é considerada a obra-prima de Rubens, principal pintor do barroco flamengo, e está exposta na Catedral de Antuérpia, na Bélgica.
Peter Paul Rubens - A Descida da Cruz
Nessa obra foram colocados todos os traços do estilo barroco: a iluminação teatral, o céu escuro e Cristo banhado em uma profusão de luz. A forma é curvilínea, conduzindo à figura central de Cristo. É um tema trágico que induz a reação emocional. O pintor inglês Sir Joshua Reynolds, classificou essa obra como: "uma das melhores imagens jamais criadas". A cabeça, pendida para um lado, o corpo caído, tudo evoca o peso da morte.
9. Velazquez (1599-1660)
É uma das obras pictóricas mais analisadas e comentadas no mundo da arte. Como tema central mostra a infanta Margarida de Áustria, embora a pintura apresente outras personagens, incluída o próprio Velázquez.
Diego Velázquez - As meninas
As Meninas, é o nome de um famoso quadro pintado em 1656 pelo pintor espanhol Diego Velázquez. A obra está no Museu do Prado. Ao centro pode-se ver a infanta Margarida Teresa de Habsburgo, filha de Filipe IV, acompanhada de suas damas de companhia, de seus criados, de uma anã e uma criança que mexe com um cão. Já no canto esquerdo, vê-se um auto-retrato de Velázquez, em cuja veste percebemos a cruz da Ordem de Santiago, que foi incluída na tela somente após sua morte. Os reflexos do rei e da rainha da Espanha surgem num espelho atrás da infanta. Acima do retrato há dois quadros do acervo do palácio e, mais ao fundo, um homem entra em cena e movimenta a cortina, trazendo mais luminosidade à tela.
Nomeada originalmente como A Família, a tela foi salva de um incêndio que atingiu o Palacio Real de Madrid em 1750, passando ao Museu do Prado em 1819 e recebendo, posteriormente, o título de Las Meninas. Embora «menina» seja uma palavra da língua portuguesa, era usada na corte espanhola com o sentido de «dama de companhia», segundo a opinião de investigadores linguísticos.
10. Picasso (1881-1973)
Picasso, três séculos depois de Velázquez. Esta obra-prima feia, uma composição monocromática fraturado a partir do qual toda a cor foi drenada, foi definido assim por Picasso: "Todas as criaturas vivas em Guernica, humana e animal, foram transformados em objetos torturados, decomposto , distorcido e gritando sua agonia para o céu. A pintura é apenas uma representação simbólica, como visto em minha própria mente - isso é tudo.
Pablo Picasso - Guernica
Foi a última grande pintura. Nada tem acompanhado desde seu imaginário gritante, emoção impetuoso e feroz resposta à tragédia, pois em 1937 a arte da pintura era em si já em seu leito de morte - duas décadas antes Marcel Duchamp, em expor uma bacia mictório, havia proclamado que qualquer coisa que poderia ser um trabalho da arte, e o mundo da arte tinha acreditado nele. Agora, um século depois, ninguém sabe o que é arte e o que não é.

Fonte:
Daily Mail: ( As 10 melhores pinturas do mundo. )

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